Biennale Gherdëina 4

Das englische „Knock on Wood“ entspricht unserem „auf Holz klopfen“ und hat mit Schicksal und Beschwörungen zu tun. Die angloamerikanische Kultur ist sicherlich weniger abergläubisch als unsere, dennoch besteht das Bedürfnis, sich an etwas festzuhalten, das Glück bringt, wohl bei allen Menschen.

Deshalb stehen die Zeichen gut für diese vierte Auflage der Biennale von St. Ulrich in Gröden, die der zeitgenössischen Skulptur gewidmet ist. Eingeladen wurden fünf Künstler: zwei von ihnen – Bruno Walpoth und Willy Verginer – stammen aus St. Ulrich, verfügen jedoch über ein international anerkanntes Profil, drei weitere kommen aus anderen Orten: Chris Gilmour ist Engländer und lebt in Udine; Sonia Leimer wurde in Meran geboren, arbeitet jedoch in Wien; Velasco Vitali schließlich wohnt zwischen Mailand und dem Comer See. Zum ersten Mal in der Geschichte der Biennale wurden die Künstler gebeten, ein öffentliches Skulpturenprojekt zu schaffen, das in der Lage ist, mit dem historischen Zentrum von St. Ulrich zu interagieren und mit den Bewohnern und Touristen in einen Dialog zu treten, ohne sich aufzudrängen.

Hinsichtlich des Gegenstandes und des Themas waren keinerlei Vorgaben gemacht; das verwendete Material musste jedoch Holz sein, auch wenn nicht alle Künstler darin ausgewiesene Experten sind.

Dies sind die drei Gründe, die dem Projekt seinen poetischen Sinn verleihen:

Erstens: Es sollte ein deutlicher Unterschied zu den zahlreichen Ausstellungen geschaffen werden, die es überall gibt, um zu zeigen, dass diese Ausstellung ausschließlich hier im Grödental stattfinden kann. Die Suche nach einem spezifischen Bezug zur Region und zur kulturellen Tradition des Ortes ist dabei kein Zeichen gegen die Globalisierung, sondern vielmehr ein Versuch, jene Wurzeln zu finden, die ein verstärktes Interesse wecken im Vergleich zu generischen Produkten, die überall vorkommen und sich ähneln, egal in welchem Teil der Welt. Aus dieser Perspektive könnte die Kunst ein wenig von der Strategie der Wein- und Esskultur lernen, einem der wenigen noch treibenden Sektoren der italienischen Wirtschaft, da es wahrscheinlicher ist, dass bei uns nach lokalen Spezialitäten gesucht wird – und nicht nach Sushi oder Couscous.

Zweitens: Die Realisierung dieser fünf ehrgeizigen Projekte – man könnte sie als monumental bezeichnen, wenn dieser Begriff nicht übertrieben selbstbeweihräuchernd wäre – brachte Künstler auf der einen Seite und Werkstätten sowie kleine Betriebe auf der anderen Seite in Kontakt und erzeugte einen dynamischen Kreislauf, der auch eine wirtschaftliche Bedeutung hat. Heutzutage entsteht Kunst nicht mehr ausschließlich im Atelier, sondern erfordert verschiedene Kompetenzen, die oft sowohl handwerklich als auch technologisch sehr anspruchsvoll sind, und die für die Umsetzung eines Projekts vom Konzept bis zum fertigen Werk unverzichtbar sind. Diese Herangehensweise ist seit jeher in der Konzeptkunst verankert – insbesondere die Minimalisten hielten es für angemessen, die Realisierung anderen zu überlassen. Bei anderen Stilen und Sprachen erfolgt der Übergang jedoch nicht automatisch. Viele stellen sich den Bildhauer noch immer allein in seiner Werkstatt vor, mit Werkzeugen und Staub; in Wirklichkeit ist er oft ein Ingenieur, der den Arbeitsprozess rationalisiert und Teams organisiert. Es geht nicht darum, eine Herangehensweise der anderen vorzuziehen, sondern die Kombination aus starker Projektidee und handwerklicher Fähigkeit schafft das ideale Gleichgewicht.

Drittens: Holz ist ein besonderes Material, das – wie Keramik oder Glas – eher mit Handwerk als mit Kunst (zumindest zeitgenössischer Kunst) assoziiert wird. Holz besitzt keine High-Tech-Eigenschaften, fasziniert aber durch seine Wärme, was gleichzeitig auch seine Grenze sein kann. Daher wurde es zeitweise aus der Hitliste der modernen Ausdrucksformen verdrängt, obwohl historische Bildhauer es oft experimentell einsetzten, bis der Geschmack sich der Vintage-Mode zuwandte: Rückkehr zur Tradition, Vergöttlichung der Handarbeit, Entdeckung, dass Tradition einen Mehrwert bietet und kein Hindernis für zeitgenössische Kunst ist. Dies gilt nicht nur für die bildende Kunst, sondern auch für Musik, Mode, Architektur und Design. Wir sind freiwillige Opfer eines Bedürfnisses nach Vergangenheit, weil die Gegenwart unsicher ist und die Zukunft ungewiss.

Beispielsweise merkt der Musikkritiker Simon Reynolds im Aufsatz Retromania an, dass der kommerzielle Boom von Vintage-Kleidung Hand in Hand ging mit der „Antikmachung“ von Möbeln und Gegenständen aus der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts, während Wohnzeitschriften verrückt nach Mid-Century-Design waren. Holz bringt also dank seiner Beziehung zur Vergangenheit einen zusätzlichen Wert, erzählt Geschichten, weist den Blick nicht ab und lädt zum Tasten ein. Immer mehr internationale Künstler verwenden Holz in Skulpturen oder Installationen – früher war das, außer Stephan Balkenhol, sehr selten. Man könnte fast von einer „Holz-Mode“ sprechen, wenn der Begriff nicht zweideutig wäre.

Fünf Skulpturen, die auf den Projekten der Künstler basieren, die häufig nach Gröden kamen, werden im Sommer 2014 die Fußgängerzone im historischen Zentrum von St. Ulrich bevölkern. Wir haben die Künstler interviewt, um zu erfahren, wie sie vom Projekt zur finalen Umsetzung gelangten und wie besonders die Nicht-Spezialisten mit diesem für sie oft neuen Material zurechtkamen.

Sonia Leimer schuf drei Schnitztische und berichtet: „Während meiner Besuche bei den Werkstätten der Grödner Holzbildhauer fiel mir auf, dass zwischen den 1970er- und 1990er-Jahren einige religiöse Statuen für Südafrika hergestellt wurden. Einer meiner Arbeitstische bezieht sich auf diese Kolonialgeschichte. Vor einigen Jahren kaufte ich einen Waxprint, ein in Ghana produziertes Gewebe mit langer Migrationsgeschichte – ursprünglich aus Indonesien, nach Europa importiert und während der Christianisierung wieder nach Afrika gebracht. Die Muster wurden sowohl in das Holzstück als auch in den Tisch geschnitzt und anschließend bemalt.“ Auf dem zweiten Tisch befindet sich ein Loch, das Sonia „Schwarzes Loch“ nennt: „Diese Arbeit bezieht sich auch auf die Entstehung der Dolomiten vor etwa 250 Millionen Jahren.“ Der dritte Tisch trägt den Titel Cross-Fade: „Hier wollte ich eine Szene aus Luis Trenkers Film Der verlorene Sohn verwenden, ein besonderer Moment, in dem eine Berglandschaft über die Skyline von New York gelegt wird.“

Chris Gilmour wurde eingeladen, weil sein bevorzugtes Material Karton, mit dem er Objekte im Maßstab 1:1 herstellt, farblich Holz ähnelt. Diesmal wagte er sich an ein härteres Material mit anderen Eigenschaften. In seinem Projekt stellte er sich einen Fund von Kisten vor, die archäologisches Material enthalten, das irgendeine frühere Entwendung oder Naturkatastrophe überstanden hat. Aus den Kisten ragt etwas, das an die Ikonografie des Heiligen Georg mit dem Drachen erinnert, geschaffen von einem unbekannten Bildhauer und nun auf eine Restaurierung wartend.

Velasco Vitali, eigentlich Maler, zeigt auch in Skulptur und Installation bemerkenswerte Fähigkeiten. Seine Hunderudel sind ein wiedererkennbares Motiv in der zeitgenössischen italienischen Kunst; einige seiner Arbeiten wurden an unerwarteten Orten platziert und erzeugten teilweise Verwirrung und Bedeutungsverschiebung. In der Fußgängerzone von St. Ulrich platzierte er diesmal einen riesigen Heißluftballon aus Holz und Eisen, der zum Abflug bereitsteht, jedoch durch Gewicht und fehlende Leichtigkeit am Aufsteigen gehindert wird. Aria (Luft) verweist auf Jules Vernes Abenteuerromane, Paul Delvaux’ Gemälde und den Albatros aus Charles Baudelaires Gedicht – majestätisch am Himmel, unbeholfen am Boden.

Das Projekt von Willy Verginer überrascht besonders, wenn man das ikonographische Repertoire des Grödner Bildhauers betrachtet, der Figuren in Relation zu Objekten und Landschaft darstellt. Er verzichtet diesmal auf den anthropozentrischen Blick und entwarf ein Holzhaus, eher eine Hütte, gehalten von Baumwurzeln – ein mühsames, aber stabiles Gleichgewicht. Auch hier zeigt sich ein Nachdenken über das Schicksal des Künstlers, über Balance, Tradition und Erdverbundenheit – eine poetische, metaphorische und sehr gelungene Arbeit.

Bruno Walpoth bleibt der menschlichen Figur verbunden und installiert zu Beginn des Rundgangs eine große, in der Mitte geteilte und ausgehöhlte Holzbüste. Das Werk ist wohl am leichtesten verständlich, doch keineswegs einfach in seiner Intention. Walpoth beobachtet die menschliche Natur genau, die Figur wirkt wie ein gigantischer Doppelgänger im Vergleich zu unseren Dimensionen. Seine Skulptur inszeniert eine auf den Kopf gestellte Vision: Sie beobachtet uns vom Dorfplatz aus und versucht, unsere Reaktionen und Gedanken zu erfassen – als wären wir die Gullivers der Gegenwart, unermüdliche Kunstreisende.